Вместе по всему миру

Объявление

Просим обращать внимание на оформление ваших вопросов на форуме! Не нужно называть пост "Есть вопрос", "Помогите" и т.п. Запрещены в заголовках тем: слова, состоящие из ЗАГЛАВНЫХ букв, смайлы, повторяющиеся знаки препинания "???", "!!!", ")))", "((". Пожалуйста, начинайте темы с заглавной буквы. Если содержание темы полностью отражено в заголовке, гораздо больше вероятность, что те, кто может проконсультировать спрашивающего, заметят её и зайдут для ответа, да и искать информацию впоследствии намного удобнее. Если заголовок спрашивает о маршруте, а в теме поднимаются, например, вопросы о шопинге, отелях и т.п., то количество ответов может заметно снизиться, а следующие читатели не найдут искомых ими сведений. Убедительная просьба просматривать навигаторы, которые есть в каждом разделе, - очень велика вероятность, что волнующий вас вопрос уже задавался и был подробно обсужден. Вопросы нужно задавать только в соответствующих разделах форума по странам, а не в рассказах, где велика вероятность, что их никто не увидит и ответа на свой вопрос вы не получите. Когда вы цитируете материал из сторонних ресурсов, обозначайте это, пожалуйста, каким-нибудь способом – тегами цитаты, другим шрифтом или кавычками, и приводите название и автора источника или ссылку на интернет-страничку. Запрещается дублировать свои вопросы в нескольких темах или несколько раз в одной теме с формулировкой "подниму/освежу вопрос". Такие дубли будут удаляться.

Реклама на форуме | Закачка фото к посту | Полезное для поездок | Отели | Визы | Архив погоды | Такс-фри | Аутлеты Европы | Где жить в Риме | FAQ по Венеции | Из Праги в Баварию | Электронные версии путеводителей "Афиши"

Информация о пользователе

Привет, Гость! Войдите или зарегистрируйтесь.


Вы здесь » Вместе по всему миру » Рассказы: Россия » Выставка "Эпоха Рембрандта и Вермеера. Шедевры Лейденской коллекции"


Выставка "Эпоха Рембрандта и Вермеера. Шедевры Лейденской коллекции"

Сообщений 11 страница 20 из 55

11

Здорово. Спасибо за презентацию и народа не много, и фото разрешают.

Лена ГМ написал(а):

В 2015 году старые владельцы выставили ее как картину девятнадцатого века на аукционе в Нью-Джерси за 800 долларов. Все были поражены предложенной покупателями ценой, умножившей изначальную стоимость в тысячу раз. В итоге она была продана за 870 тысяч долларов. Так в Лейденскую коллекцию попала одна из пяти работ Рембрандта из цикла «Пять чувств» — «Пациент, упавший в обморок» или «Аллегория обоняния».

Как рассказывала Лошак, Каплан гордятся своей командой, прозванной пылесосом, кажется, такое же слово употребил создатель Галереи «Amour Breton».

Работы замечательные. Не злорадство, а грандиозность замысла - было бы здорово, если через несколько лет с некоторыми картинами обнаружится мистификация.
Не покидает сравнение с Мегереном, к циклу аллегорий Рембрандта.
К портрету, очень выразительному, предположительно принца Руперта Пфальцского
(бородавка могла исчезнуть под кистью художника, но обычно, подросток более худощав, чем он же во взрослом возрасте)
- не корректное описание: Фридрих V, зачинщик 30-летней войны, зимний король, никакого чешского, точнее богемского двора не имел, он и курфюрстом то уже не был
- изгнанник, живущий на средства родственников жены.
Картины Дау все интересны и параллели от четы Арнольфини, до Козла отпущения.
Аллегория христианской веры Хендрика Тербрюггена - персонаж прямо из российской глубинки.
Отметил бы, литературность выставки: Схалкен - Шеридан Ле Фаню, Фабрициус - Д.Тартт, многие авторы - С.Шама

0

12

starlec написал(а):

народа не много

Не много ?! Я такого количества в залах не видела никогда, это просто караул.

starlec написал(а):

параллели от четы Арнольфини до Козла отпущения.

Миша, ты имеешь ввиду картину Ван Эйка ? И козла Ханта ?
Если козел похож, то насчет четы Арнольфини у меня особых параллелей не возникло. Там больше скрытого смысла, символов, а вот насчет параллелей , так это удивительное сходство господина Арнольфини с нашим президентом.

starlec написал(а):

Такое же слово употребил создатель Галереи «Amour Breton».

Насчет пылесоса от Евгения Александровича не слышала, а вот то, что коллекция Капланов, собрание ТАКОГО уровня, собрано за рекордно короткий срок , как раз и объединяет их с владельцем  Галереи «Amour Breton».

Впервые собрание американской четы Томаса и Деборы Каплан было представлено широкой публике в 2017 году на выставке в Лувре. До этого времени целиком коллекции никто не видел. Она была собрана за очень короткий срок: с 2002 года, когда супруги Каплан приняли решение и выбрали художественное направление своего будущего собрания, ими были приобретено 250 произведений искусства.

Томас Каплан, историк по образованию, с детства был увлечен произведениями голландских мастеров, не предполагая, что станет их коллекционировать. До собирания картин у семьи уже был опыт коллекционирования: Дебора Каплан к этому моменту уже владела значительной коллекцией мебели 40−50-х годов ХХ века «со всеми главными именами внутри». А ее муж, финансист-миллиардер — не только почитатель живописной старины, но и увлеченный собиратель самолетов-истребителей времен Второй мировой войны.
Томас Каплан с юных лет восхищался творениями Рембрандта и мастеров голландского золотого века. Тем не менее лишь в 2003 году он узнал, что далеко не все шедевры столь любимой им эпохи, включая работы самого Рембрандта, находятся в музеях и что многие из них доступны на художественном рынке. С этого момента он совместно с супругой начал свою невероятно амбициозную коллекционерскую деятельность.

Первой, кто подкинул ему идею собрать свою коллекцию, стала теща — Мира Реканати, урожденная Летичевская, дочь эмигрантов из России, сама художница. Каплан вспоминает, что она отметила в нем "страсть и меткость русских" — ценные для коллекционера качества. Решающую же роль сыграл друг семьи Каплан сэр Норман Розенталь, долгие годы занимавший пост главного куратора британской Королевской академии художеств. Он рассказал Томасу Каплану, что старые голландцы пусть изредка, но появляются на аукционах.

Рембрандт, Халс и Вермеер — знаковые фигуры голландского золотого века, внесшие огромный вклад в развитие искусства последующих столетий. Страстно влюбленные в творения Рембрандта и мастеров его времени (отсюда название собрания — Лейденская коллекция), супруги Каплан благодаря неустанным поискам, основанным не только на имеющихся финансовых возможностях, но и на исключительно счастливой коллекционерской фортуне, за сравнительно короткий срок стали обладателями удивительной по художественной значимости подборки произведений голландской живописи золотого для нее XVII столетия. Томас и Дафна Каплан приобрели практически все аутентичные живописные произведения Рембрандта, которые изредка появлялись на международном антикварном рынке на протяжении последних 15 лет. И не только Рембрандта, но и многих его современников. В наше время, когда творения гениев старого (классического) искусства уже давно распределены между крупнейшими музеями и частными собраниями, имеющими глубокие исторические корни, супруги Каплан предприняли и успешно осуществили, казалось бы, несбыточный проект: собрать с нуля представительную и разнообразную по тематике коллекцию картин Рембрандта, Франса Халса, Яна Вермеера Делфтского и многочисленных камерных произведений лейденских мастеров — представителей так называемой тонкой живописи.

«Для нас не было ничего необычного в том, чтобы взять на заметку и сразу же купить несколько картин за один день. Неудивительно, что мы с Дафной получили прозаическое прозвище „пылесосы“: оно отражало тот опустошительный эффект, который мы производили на рынок столь любимых нами старых мастеров. На протяжении первых пяти лет нашего „кутежа“, по выражению „Нью-Йорк Таймс“, мы покупали в среднем одну картину в неделю. Благодаря такому темпу Лейденская коллекция по уровню и разнообразию представленных в ней произведений Рембрандтовской школы очень скоро стала вровень с некоторыми из тех собраний, которые Екатерина скупала во время собственного „кутежа“, задавшись целью в пределах своих владений построить нечто равноценное Лувру».

«Мы чувствуем, что Чарлз Саачи (один из крупнейших английских галеристов) прав, когда говорит, что истории интересны художники, а не коллекционеры. Именно поэтому мы не дали Лейденской коллекции свое имя, но назвали ее в честь города, где родился Рембрандт, и таким образом отдали мастеру дань уважения. В конце концов, как я неоднократно подчеркивал с того самого дня, когда весной 2017 года в Лувре мы открылись, гений — Рембрандт, а не тот, кто покупает его работы. Именно поэтому мы никогда не держали дома ни одной картины, ведь в полном согласии с присущим нам обоим взглядом на вещи, мы испытывали гораздо большее удовольствие, представляя произведения вниманию широкой публики».
Томас Каплан, предисловие к каталогу выставки в ГМИИ им. Пушкина

Открывая галерею, мы с моей женой Дафной сразу решили, что все картины в ней будут доступны музеям. Очень часто картины отправлялись в них, даже не успев повисеть ни дня в галерее — сразу от дилера или с аукциона, где мы их купили. Я помню, однажды пришел в Музей Гетти и увидел, как люди реагировали на одну из наших картин, «Портрет мальчика в плаще и тюрбане» Яна Ливенса. Именно тогда я осознал: самое важное, что мы можем сделать как коллекционеры, — это делиться искусством с людьми. Правда, сначала я не хотел, чтобы наше имя ассоциировалось с коллекционированием, поэтому мы давали картины музеям анонимно. Почему? Мы не хотели становиться частью арт-мира. Мы занимались общественными кампаниями, например защитой диких животных. Это важное дело. А в коллекционировании искусства, на мой взгляд, нет ничего особенно благородного. Я не говорю, что этого надо стыдиться, но в глубине души мы не хотели это афишировать.
Дело в том, что, собирая картины множества художников — Рембрандта и его школы, мы накапливали не только сами полотна, но и информацию об этих работах и их авторах. В какой-то момент перед нами встал выбор: просто делиться с публикой картинами или поделиться с ней и всеми этими знаниями — но тогда нам пришлось бы выйти из тени. Мы решили, что дать людям доступ к информации для нас все-таки важнее, чем сохранять анонимность. Ведь таким образом мы могли воздать должное художникам, которых любим, показав их историческую важность и актуальность в наше время. Мы решили составить каталог нашей коллекции и разместить в Интернете, чтобы им могли пользоваться студенты, преподаватели, кураторы, дилеры, сотрудники аукционных домов, коллекционеры. Изначально мы не собирались его печатать, потому что хотели, чтобы он был бесплатным и общедоступным. Но по иронии судьбы теперь у нас даже не один печатный каталог, а несколько. Когда была выставка нашей коллекции в Лувре, он захотел издать каталог, Национальный музей Китая тоже. Теперь на очереди ГМИИ им. Пушкина, Эрмитаж и Лувр — Абу-Даби, наверняка они тоже захотят. Оказалось, люди до сих пор покупают бумажные каталоги и пользуются ими. Что ж, если им это нужно, я не против. Кстати, в России мы покажем больше работ, чем в других музеях. В Лувре было 30 картин, в Китае — 60–65, а к вам мы привозим 82.
(Томас Каплан)

Кстати, каталог продается, издание хорошее, цена 1500 руб.

Полностью интервью с Томасом Капланом здесь http://www.theartnewspaper.ru/posts/5512/

Именно после луврского вернисажа, куда была приглашена директор ГМИИ им. Пушкина Марина Лошак, она предложила владельцам Лейденской коллекции представить ее в России. Идею поддержал директор Эрмитажа Михаил Пиотровский.

K-Olga написал(а):

Надеюсь, в Эрмитаж эту коллекцию привезут.


В Государственном Эрмитаже выставка откроется 4 сентября и будет работать до 13 января 2019 года.
Как отметил генеральный директор Государственного Эрмитажа Михаил Пиотровский, выставки Лейденской коллекции в Москве и Санкт-Петербурге будут отличаться. Фактически, это будут две разные экспозиции, с разными акцентами, смысловым и художественным обрамлением. Каждый музей — Эрмитаж и Пушкинский музей — продемонстрирует собственный подход к презентации собрания Капланов; по словам Пиотровского, «хорошие картины — это полдела, а вторые полдела — это как их показать».
В Санкт-Петербурге Лейденская коллекция будет представлена вместе с картинами голландских художников из фондов Эрмитажа, которые в настоящее время выставляются в амстердамском филиале музея. Выставка пройдет в Большом, или Николаевском, зале Эрмитажа.

У Каплана своеобразная благотворительная деятельность– это  спасение тигров, леопардов, гепардов и прочих кошачьих по всему миру.

0

13

Лена, спасибо огромное за рассказ о выставке! Теперь хочу сама туда заглянуть.

0

14

monkey_puzzle написал(а):

Теперь хочу сама туда заглянуть.

Это надо обязательно !

Франс ван Мирис Старший (1635-1681) Отдыхающий путник Ок 1657г.

https://s9.postimg.cc/m5bq46nun/114_IMG_8098.jpg

Франс ван Мирис Старший закончил один из своих ранних шедевров — картину «Отдыхающий путник» — около 1657 года, вскоре после окончания обучения у Геррита Дау. Эта одна из немногих работ мастера на медной основе. Гладкая поверхность пластины позволила добиться поразительной точности и сияющего эффекта, которые восхищали современников художника. Кажущийся простым сюжет — усталый путник отдыхает в итальянской деревушке — контрастирует с отточенной живописной техникой и элегантностью композиции.
Сам ван Мирис никогда не был в Италии и, скорее всего, вдохновлялся итальянскими пейзажами, запечатленными в работах своих современников. Обстоятельства заказа этой картины неизвестны. Возможно, один из жителей Лейдена решил таким образом отметить свое путешествие по Италии и заказал портрет у одного из самых многообещающих молодых живописцев города. Ван Мирис не экономил на работе: медную основу он покрыл сусальным золотом для защиты металла от коррозии. Происходивший из семьи лейденских ювелиров ван Мирис обучался этому ремеслу, прежде чем стать художником, что в дальнейшем повлияло на его тонкую манеру. Мастер добился большой славы как дома, так и за рубежом, получая престижные заказы от богатых местных жителей и европейских королевских домов.

Франс ван Мирис Старший (1635-1681)  Смерть Лукреции 1679г.

https://s9.postimg.cc/z9hagvnm7/116_IMG_8101.jpg

«Смерть Лукреции» была написана в 1679 году, всего за два года до преждевременной смерти ван Мириса Старшего. В этой выдающейся картине со сценой из истории Древнего Рима ярко проявился талант художника создавать эмоциональную драму с большим количеством деталей.
Сюжет самоубийства Лукреции впервые был описан Титом Ливием в монументальном сочинении «История Рима от основания города». Согласно ему, Лукреция, умершая приблизительно в 510 году до н. э. в Риме, была замужем за военачальником Тарквинием Коллатином. Он и его друзья, царские сыновья, поспорили, у кого самая прекрасная жена. Тарквиний выиграл спор и пригласил гостей остаться в доме. Через несколько дней один из царских сыновей, Секст Тарквиний, плененный красотой Лукреции, обесчестил ее. На следующее утро по просьбе Лукреции ее муж и отец поспешили к ней в сопровождении двух друзей. Она рассказала им о своем бесчестье и в отчаянии вонзила нож в свое сердце. Один из мужчин, Луций Юний Брут, в ужасе вытащив нож из тела женщины, поклялся преследовать Секста Тарквиния, его семью и потомков. Эта клятва повлекла за собой бунт, положивший начало Римской республике.

https://s9.postimg.cc/c80pb5qjj/118_IMG_8102.jpg https://s9.postimg.cc/z9hagxdcf/119_IMG_8103.jpg

Годфридус Схалкен (1643-1706) Портрет Баркхаута ван Слингеландта 1682г.

https://s9.postimg.cc/4fa1j654v/120_IMG_8105.jpg

Имя человека, изображенного на картине, было неизвестно до 2005 года, когда Гвидо Янсен определил его как Бартхаута ван Слингеландта (1654-1711). Догадка была основана на рисунке, сделанном с портрета Матеусом Верхейденом (1700-1777) около 1733–1735 годов.
Надпись на рисунке указывает не только личность модели, но и дату создания оригинальной картины: Бартхауту ван Слингеландту было 28 лет, когда Схалкен написал его портрет.
Годфридус Схалкен написал Бартхаута ван Слингеландта в 1682 году, всего через четыре года после того, как изобразил его отца Говерта. Схалкен считался самым успешным портретистом Дордрехта, павший на него выбор показывает статус семьи ван Слингеландт. Бартхаут родился в 1654 году в семье Говерта ван Слингеландта, секретаря государственного советника в Гааге, и Кристины ван Беверен , происходившей из благородной семьи.
После изучения права в Лейдене Бартхаут в 1677 году стал советником при Голландском суде. В 1682-м, когда был написан его портрет, он был приглашен в Старый совет (Oudraad) Дордрехта — главный орган управления города, считавшегося старейшим в Голландии, и потому занимавший ключевые позиции в Генеральных штатах.
В течение карьеры ван Слингеландт зани мал несколько важных должностей, в том числе магистрата и бургомистра Дордрехта, управляющего Монетного двора, директора Голландской Вест-Индской компании и члена Государственного совета. Таким образом, роскошный детализированный портрет молодого дворянина символизировал его быстрорастущий статус в обществе, которым он пользовался и в дальнейшем.
Существовал и парный портрет супруги Бартхаута ван Слингеландта, Элизабеты ван Блейсвик. Его местонахождение неизвестно.

https://s9.postimg.cc/o9w35a4wv/122_IMG_8106.jpg

Годфридус Схалкен (1643-1706) Юноша и девушка, разглядывающие статую Венеры при свете лампы. Ок.1688-92гг.

https://s9.postimg.cc/o9w35acmn/123_IMG_8109.jpg

Данная картина указывает на интерес Схалкена к классическим темам и идеалам красоты. Молодой человек беседует с девушкой и жестом указывает на мраморную статую или гипсовый слепок известной античной скульптуры «Венера на корточках». Рядом на столе лежит слепок головы другой античной статуи, скорее всего так называемой «Юноны Чези». Отблески света медной масляной лампы мягко озаряют пространство. Художник тонко трактовал гладкую поверхность скульптур и отодвинутый в сторону зеленый атласный занавес, сквозь который видна эта камерная, возможно, романтическая сцена. Изучение античной скульптуры было важной частью обучения молодых художников, а к середине XVII века стало обязательной составляющей академического образования. Еще сложнее, чем передача идеальных форм античности, было изображение эффектов светотени на трехмерных объектах. Мотив художника, занимающегося при свечах, имел давнюю традицию в европейском искусстве. Схалкена мог вдохновить пример его учителя Геррита Дау.
Некоторые ученые предполагают, что в образе молодого художника Схалкен запечатлел себя, — таким образом, эта картина в остроумной форме передает собственные взгляды мастера на искусство и идеалы классической древности. Хотя центральными мотивами композиции являются художественная практика, усердие и античные идеалы, исследователи полагают, что она может быть и отражением идеи любви, ведь Венера — богиня любви.

Годфридус Схалкен (1643-1706)  Купание Дианы и нимф. Ок.1680-85гг.

https://s9.postimg.cc/asz4mfx67/126_IMG_8112.jpg

Любимым мифологическим персонажем Годфридуса Схалкена была богиня Диана (в греческой традиции — Артемида). Первая композиция Схалкена с изображением Дианы относится примерно к 1680 году, когда он написал(исторический портрет Магдалены де ла Кур в образе богини на охоте. В нем чувствуется преклонение мастера перед античностью: на фоне приглушенного пейзажа в коричневых тонах светится фигура белокурой богини.
Узнаваемая по полумесяцу в волосах и окровавленной стреле и луку в руках, Диана стоит на поляне в окружении спутниц — шести лесных нимф. Богиню озаряет исходящий слева свет, подсвечивая ее золотистые волосы и украшающий их полумесяц.
Схалкен, хорошо знакомый с творчеством древнеримского поэта Овидия, демонстрирует знание авторского текста: «Там-то богиня лесов, утомясь от охоты, обычно Девичье тело свое обливала текучею влагой».
Существуют еще две версии этой композиции; все три практически идентичны, за исключением размера и основы. Повторение образа Дианы указывает, что для Схалкена это был очень важный сюжет, позволивший ему продемонстрировать глубину своих знаний античных классиков и создать привлекательный женский образ.

https://s9.postimg.cc/q1p207bf3/128_IMG_8114.jpg https://s9.postimg.cc/5hk81qitb/129_IMG_8116.jpg

0

15

Годфридус Схалкен (1643-1706)  Притча о потерянной драхме. ок.1675г.

https://s9.postimg.cc/muuigm8zj/130_IMG_8117.jpg

Карьера Годфридуса Схалкена началась в Дордрехте в 1656 году, когда он учился у Самюэла ван Хогстратена. Затем около 1663-го художник отправился в Лейден, чтобы продолжить обучение в мастерской Геррита Дау, где он в совершенстве овладел отточенной живописной техникой, а также впервые проявил интерес к изображению сцен при свечах. К концу 1660-х годов живописец обосновался в Дордрехте и стал специализироваться на ночных композициях с искусственным освещением. Вскоре Схалкен начал обращаться к библейским сюжетам, особенно к тем, в которых действие разворачивается при свете свечей.
«Притча о потерянной драхме», датируемая примерно 1675 годом, иллюстрирует сюжет из Евангелия от Луки (Лк. 15: 8–10). Женщина, потеряв одну из десяти драхм, зажигает свечу, чтобы найти ее. Обнаружив монету, она созывает подруг, дабы порадоваться вместе. Притча говорит о счастье покаяния, а свет свечи символизирует слово Божие.
Изобразительным источником для очень редко изображаемого сюжета могла служить гравюра конца XVI столетия.
Женские лица на картине напоминают характерный тип, который встречается и в других работах художника.

https://s9.postimg.cc/4s1fpdxpb/132_IMG_8118.jpg

Каспар Нетшер (1639-1684) Сара приводит Агарь к Аврааму. 1673г.

https://s9.postimg.cc/4s1fpe5f3/133_IMG_8122.jpg

На картине, написанной Каспаром Нетшером в 1673 году, изображена сцена из Ветхого Завета. Бесплодная, старая, сомневающаяся в Божьем обетовании, что Аврам станет «отцом множества народов», Сара предлагает египетскую рабыню Агарь своему мужу в качестве наложницы (Быт. 16: 1-3). Нетшер делает смелую трактовку этого сюжета, акцентируя внимание на Авраме, с интересом выслушивающего предложение жены. Из-за полога за сценой подглядывает служанка.
Художник тщательно проработал каждую деталь: мягкий ковер, которым покрыт стол, и гладкое бархатное одеяние Аврама. Нетшер, известный своим утонченным стилем, расположил сцену в элегантном домашнем интерьере, напоминающем жанровые картины того времени. В этом художник следовал примеру своих современников, таких как Франс ван Мирис Старший и Ян Стен, трактовавших сюжеты из Библии и древней истории на фоне голландских интерьеров XVII века.
В подобном контексте эмоциональный посыл повествования становился для зрителя более понятным. Мотив приведения Агари к Авраму сравнительно редок для голландского искусства и является лишь одним из двух библейских сюжетов, к которым обращался Нетшер. Хотя и неизвестно, для кого предназначалась эта выразительная композиция первоначально, позднее она была приобретена Филиппом II Орлеанским (1674-1723) для дворца Пале-Рояль в Париже и оставалась в коллекции герцогов до конца XVIII века.

https://s9.postimg.cc/cxjhnk93j/135_IMG_8123.jpg

Народ на галерее

https://s9.postimg.cc/n7lwmt6ov/136_IMG_8124.jpg

В торце галереи несколько картин., связанных с музыкой, поддержаны вот этим музыкальным инструментом. Это вёрджинел-бюро. Фландрия  1583г. Ель, красное дерево, кость , лак, перламутр. Российский национальный музей музыки, Москва.

https://s9.postimg.cc/ns5j2yexr/137_IMG_8127.jpg

https://s9.postimg.cc/ex4osgdan/139_IMG_8129.jpg

0

16

https://s9.postimg.cc/waez7at67/140_IMG_8130.jpg

https://s9.postimg.cc/8w6zvdiyn/141_IMG_8131.jpg

https://s9.postimg.cc/623uhyjdb/142_IMG_8132.jpg

https://s9.postimg.cc/j69eunj4v/143_IMG_8133.jpg

https://s9.postimg.cc/6ev8o4txb/144_IMG_8134.jpg https://s9.postimg.cc/5cl25kvof/145_IMG_8136.jpg

Ян Вермеер Дельфтский (1632-1675) Девушка за вёрджинелом. 1670-72гг.

Теперь мы представляем, как выглядит вёрджинел.

https://s9.postimg.cc/cmpgr27zj/146_IMG_8137.jpg

Этот шедевр позднего творчества Яна Вермеера Делфтского принадлежит к числу тридцати шести известных работ мастера, и является единственной работой, находящейся в частных руках. Полотно принадлежит к позднему творчеству мастера. В конце 1670-х годов Вермеер создал несколько работ на аналогичный сюжет. Изображения играющих на музыкальных инструментах женщин, созданные Вермеером, часто ассоциируются с темой романтического ухаживания. Изображая музицирование, голландские художники передавали как прелесть домашней жизни, так и красоту внутреннего мира представителей высшей знати. На этом полотне Вермеер запечатлел атмосферу утонченности и спокойствия, окружающую сидящую за вёрджинелом девушку. Аккуратно положив руки на клавиши, она обращается к зрителю с легкой улыбкой. На одухотворенное лицо героини падает свет из окна, находящегося перед инструментом.
Холодное освещение в картинах Вермеера создается  с помощью натурального ультрамарина -пигмента, известного своей исключительной дороговизной.

Герард Терборх (1617-1681) Музыканты. Ок.1642-44гг.

https://s9.postimg.cc/4h7eswrgf/148_IMG_8139.jpg

Жанровые картины Герарда Терборха Младшего эволюционировали из простых композиций с интерьерами караульных комнат в изысканные бытовые сцены. Это произведение, написанное в 1642–1644 годах, — замечательный пример метода работы Терборха с натурой.
Сцена — камерное исполнение музыки — представлена в небогатом интерьере, выполненном в тончайших оттенках коричневого цвета. Молодая женщина играет на вёрджинеле, слева от нее расположился мужчина с виолой да гамба, а немного поодаль — пожилой мужчина с виолой да браччо. Рот девушки приоткрыт, кажется, будто она поет, — деталь, подчеркивающая мелодический характер произведения.
Молодая женщина была написана с младшей единокровной сестры Терборха Гезины, которая послужила моделью для еще нескольких работ мастера.
В композиции художник тонко намекает на любовные отношения между девушкой и молодым человеком с виолой да гамба. Его брошенный украдкой взгляд и мягкое выражение лица Гезины, ее глаза, скрытые в тени, подчеркивают проникновенность момента. Данная картина — яркий пример зрелого стиля Терборха, сформировавшегося в 1650–1660-х годах, отличительными чертами которого являются тщательная трактовка деталей и изящное, но в то же время эмоциональное изображение проявления любовных чувств, завуалированных музыкой.

0

17

Лена, шикарная выставка, великолепно показываете - но мы  посмотрели мельком, так как, естественно, сами планируем сходить. Лена, что понравилось, так это то, что Вы привели статью с интервью Т.Каплан-очень любопытно, интересная позиция у коллекционера.

Отредактировано Неслучайные гости (2018-04-01 17:21:04)

0

18

Лена ГМ написал(а):

Вчера побывала на этой выставке, она великолепная

И впрямь богатая выставка. Думаю, когда бы проскочить, чтобы народу поменьше? :smoke: Может быть, между майскими, когда все по дачам и заграницам разъедутся...

Спасибо, Лена, как всегда познавательно и интересно.

0

19

Эглон  Хендрик  ван дер Нер (1634/36 -1703)  Дама. играющая на лютне. 1675г.

https://s9.postimg.cc/turv1v0e7/149_IMG_8219.jpg

Эглон ван дер Нер родился в Амстердаме около 1635 года. Сын пейзажиста, он демонстрировал склонность к живописи с юных лет и учился у Якоба ван Ло. По окончании обучения ван дер Нер переехал во Францию, чтобы работать при дворе графа Фридриха фон Дона (1621-1688), голландского правителя княжества Оранского. В 1658 году он вернулся в Голландию и обосновался в Амстердаме со своей женой Марией Вагенсвелт.
В 1663-м ван дер Нер переехал в Роттердам и часто приезжал в Лейден со своим учеником Адрианом ван дер Верфом (1659-1722), чтобы навестить старого друга и товарища Франса ван Мириса Старшего. С конца 1670-х годов ван дер Нер жил в Брюсселе, а в 1690-х стал придворным живописцем пфальц- графа-курфюрста Иоганна Вильгельма (1658-1719).
Изящные композиции ван дер Нера отражают придворные вкусы XVII века, формировавшиеся под влиянием французской моды на классическую архитектуру и роскошные костюмы. Композиция, датированная 1675 годом, когда художник находился в Роттердаме, демонстрирует его виртуозное владение кистью.

https://s9.postimg.cc/eytbu9wpb/151_IMG_8221.jpg

Ван дер Нер тщательно трактует каждую деталь, имеющую иносказательный смысл: нежное тело и пальцы женщины, мягко перебирающие струны (осязание), сладкие звуки инструмента (слух), возможность подсмотреть эту тихую сцену (зрение). Музыкальные инструменты часто символизировали ухаживания, несли скрытый любовный и эротический подтекст. Но в этой работе ван дер Нер умело замаскировал подобные аллюзии под маской изящества виртуозной живописной манеры.
Лютня с двумя грифами в руках дамы была изобретена, предположительно, французским лютнистом Жаком Гольтье, портрет которого с похожим инструментом выполнил друг Рембрандта художник Ян Ливенс.

Исторические уроки и нравственные поучения.

https://s9.postimg.cc/djrr5kb1r/152_IMG_8142.jpg

https://s9.postimg.cc/ygnza81cv/153_IMG_8143.jpg

https://s9.postimg.cc/djrr5kqhb/153_IMG_8218.jpg

Питер ван Лар ( 1599- 1642) Автопортрет с атрибутами занятий магией. Ок.1635-37гг.

https://s9.postimg.cc/eakharsof/154_IMG_8148.jpg

Правдоподобное изображение страха и удивления занимало многих художников XVII века, в том числе харлемского мастера Питера Ван Лара. Загадочный и устрашающий «Автопортрет с атрибутами занятий магией» свидетельствует об увлечении мастера оккультизмом. Пугающий своей агрессивной загадочностью «Автопортрет с атрибутами занятий магией», находящийся перед нами — одна из самых необычных работ и в Лейденской коллекции, и в голландском искусстве в целом.
Караваджисткая манера передачи света и тени была усвоена Питером Ван Ларом в Риме, где он провел около десяти лет. Он стал основателем римского общества голландских художников «Перелетные птицы», известных своими неформальными заседаниями в римских тавернах. В среде итальянцев Ван Лар был известен под прозвищем Бамбоччо, или «карапуз», намекающем на горб художника.
Стоит отметить, что в те дни внешнее уродство часто считали результатом влияния магии.
На нотном листе на переднем плане начертано зловещее предостережение "Дьявол не шутит". Ниже изображен мертвый скорпион. Череп стоит на горящих углях и служит котлом для магического зелья.В книге изображены оккультные символы -пентаграмма и пронзенное сердце.
На создание картины Ван Лара также могла вдохновить скульптура Лоренцо Бернини «Проклятая душа». В основе этой знаменитой работы тоже лежит автопортрет.

https://s9.postimg.cc/52s8u2tbz/156_IMG_8149.jpg

Габриэл Метсю (1629-1667) Охотник, одевающийся после купания. Ок.1654-56гг.

https://s9.postimg.cc/d8aas825b/157_IMG_8151.jpg

Данное произведение представляет собой редкий для голландского искусства XVII века пример автопортрета в образе обнаженного охотника, одевающегося после купания. Его автор, уроженец Лейдена Габриэл Метсю, оказался под влиянием ученика Рембрандта Геррита Дау. К моменту написания картины, Метсю переехал в Амстердам и стал самостоятельным мастером.
Для своего автопортрета художник избрал образ охотника, недавно искупавшегося в реке, окруженного оружием и дичью. Тщательно выписан пейзаж, включающий купающегося мужчину вдали 9возможно, это тот же герой,  изображенный дважды) , фигуру на мосту и прогуливающуюся возле мельницы пару. Изображение охотников в XVII веке ассоциировалось с аристократическими занятиями, а молодые охотники на картинах голландцев часто олицетворяли коварных обольстителей. Возможно, именно эту ассоциацию поддерживает представленные здесь подстреленный заяц и указывающее на него длинноствольное ружье.
Мотив хвастовства присущ и другим работам Метсю с изображением охотников.
Несмотря на то, что большая часть территории Нидерландов примыкает к морю, образы купальщиков, особенно с акцентом на отдельной фигуре, в голландском искусстве встречаются редко. Наиболее близки к этой работе произведение Геррита Доу из Эрмитажа.

Франс Хальс (1582/83 - 1666) Портрет Самюэла Апцинга. 1630г.

https://s9.postimg.cc/apols4glb/159_IMG_8154.jpg

На этой подобной драгоценному камню картине, выполненной на медной основе, Франс Хальс запечатлел харлемского священника, поэта и историка Самюэла Ампцинга (1590–1632).
Повернувшись вправо и глядя на зрителя, Ампцинг держит свое сочинение 1628 года «Описание и хвала городу Харлем в Голландии». Создается ощущение, будто герой на мгновение оторвался от чтения.
Хальс использовал гладкую медную поверхность, чтобы подсветить некоторые участки изображения, например, щеку персонажа, глаза, рукав, фон. Проработав отдельные области плавными мазками — нос и руку Ампцинга, художник добился фантастического реализма.
Узнаваемый живописный стиль принес Хальсу известность и привлек многих представителей знати. Большую часть жизни художник провел в Харлеме, за исключением короткого промежутка в 1616-м, когда он на время вернулся в родной Антверпен. Об обучении Хальса ничего неизвестно, но надо отметить, что положение и репутация сделали его одним из самых востребованных художников Голландии золотого века.
Портрет Ампцинга был написан всего за два года до смерти модели в 1632 году. Как и другие небольшие портретные изображения Хальса, эта работа позднее была повторена в гравюре. Возможно, эти произведения распространялись среди коллег в родном городе и за рубежом или служили личными и семейными памятными подарками

0

20

Лена, спасибо огромное за подробный обзор! еще и с пояснениями к картинам и сюжетам! :flag:  Обожаю голландцев!
С радостью прочитала, что выставку привезут в Питер. В Эрмитаже неплохая, хоть и маленькая коллекция и картины из Амстердама будет очень интересно увидеть.

0


Вы здесь » Вместе по всему миру » Рассказы: Россия » Выставка "Эпоха Рембрандта и Вермеера. Шедевры Лейденской коллекции"