Маруся  1913г.
Имя Елены Андреевны Киселёвой долгое время оставалось неизвестным даже историкам искусства. История его обнаружения напрямую связана с портретом Маруся. Данная работа была передана в Воронежский областной музей имени И.Н. Крамского в 1929 году матерью художницы Марией Эдуардовной Киселёвой. К тому времени Елена Андреевна уже жила в эмиграции в Сербии, куда переехала в 1920 году с возлюбленным Антоном Дмитриевичем Билимовичем и их маленьким сыном Арсением.
В 1960-е годы именно Маруся привлекла внимание Маргариты Ивановны Лунёвой (1925-2013), старшего научного сотрудника Воронежского областного художественного музея им. И.Н. Крамского, которая и начала поиски позабытой к тому времени Елены Андреевны Киселёвой. Поиски таинственной Елены Киселёвой привели Лунёву в фонды Научно-исследовательского музея при Российской академии художеств, где обнаружилось письмо Елены Киселёвой к Илье Репину с обратным белградским адресом.
В 1967 году завязалась переписка, с каждым письмом из Белграда из неизвестности стали проступать черты портрета художницы Елены Киселёвой. В 1969 году Елена Киселёва передала в дар Воронежскому областному художественному музею более 30 работ. В родном городе художницы состоялись 4 персональные выставки.
Маруся – одна из лучших картин, созданная в Париже, где художница бывала неоднократно. Французская столица с её особой атмосферой постоянно манила Киселёву. Елена Андреевна неоднократно возвращалась туда в 1910, 1911 и 1913 годах. Портрет изображает сестру русского художника, чье имя, к сожалению, так и осталось неизвестным. В этой картине классически правильный академический рисунок соединился с яркой декоративностью, плавными линиями модерна и колористической свободой фовистов и художников группы «Наби».

      Дачницы. 1915г.
Данная работа была исполнена в 1915 году в знаменитом имении «Пенаты» Ильи Репина. Елена Андреевна представила камерную сцену: на скамейке в парке, в окружении цветущих гортензий, беседуют две дамы. Моделями для картины, которая исполнена на стыке жанров портрета и натюрморта, стали сестра и невестка художницы Мария Комиссарова и Берта Киселева. Голубые тени, ярко-красные цветы, травянистая и нефритовая зелень перекликаются с тонами одежды натурщиц, в фигурах которых также есть кипенно-белые пятна, приковывающие взгляд в этом пиршестве красок, напоминающем флорентийскую мозаику. Плоскость картины-панно «прорывает» лишь солнечное пятно в конце уходящей вдаль дорожки.
Очевидно, что художнице нравилось писать женские портреты. Недаром живописные задачи всегда для нее были важнее психологизма. Её женские образы отличаются недосказанностью и таинственностью, которые позволяют зрителю строить собственные предположения относительно характера моделей. При этом Елена Киселёва обладала важной для художника способностью – умением улавливать черты времени, что позволило создать целую галерею любопытных образов Серебряного века.

      Портрет дамы (Портрет Любови Бродской) 1916г.

Данный портрет позволяет нам оценить красоту первой жены художника Исаака Израилевича Бродского. Здесь перед нами – обворожительная, немного кокетливая дама, осознающая свою привлекательность.
В одном из своих писем Киселёва вспоминала: «Ещё от прошлого времени у меня был, по-моему, очень хороший портрет жены художника Бродского. Я её встречала в Финляндии у Чуковских, поражена была её эффектностью и красотой».
Тонкие нюансы светлой кожи и платья особенно выделяются на фоне сочных контрастов цветовых пятен – черных волос и яркой шали. Благодаря тому, что Елена Киселёва выбрала нестандартно высокую точку обзора, мы с выгодного ракурса видим пену пышных юбок, в воланах которой утопают нежные руки модели.
Бродская близко общалась со многими известными артистами, художниками, писателями. Любовь Марковна состояла в переписке с Максимом Горьким, который делился с ней секретами мастерства литератора. Дочь Любови Марковны и Исаака Израилевича, художница Лидия Бродская, писала о матери: «Она была образованной, умной, красивой женщиной. Писала стихи, любила музыку, живопись, сама рисовала и писала красками, успешно работала в области декоративно-прикладного искусства (роспись по тканям), была членом Союза художников».
Эта картина находится в частном собрании и музею русского импрессионизма стоило больших трудов заполучить ее на выставку.

    Портрет Антона Билимовича. 1925 г.

            Портрет сына 1925г.

После нее заглянули и в зал основной экспозиции. Некоторые картины мне показались новыми в коллекции, по крайне мере в первый свой визит я их не сфотографировала. Что ж, делаю небольшое добавление.

   Василий Поленов "В овраге"  1879 г.

На первый взгляд – неказистый буерак. А какая красота здесь живет! В простеньких полевых цветочках есть изысканность формы, а в небольшой луже – бездонность голубого неба.
Василий Поленов одним из первых русских художников еще в 1870-е годы познакомился с импрессионистической живописью. После поездки в Европу он сделал неутешительный вывод: русский реализм после французского буйства красок, цвета и света уже казался ему «неживописным».
Поленов никогда не был импрессионистом, но он всерьез занялся колористическим поиском, «подготовил почву для расцвета драгоценного свободного искусства», – как писал Александр Бенуа.
«Хитра и таинственна натура в красках!», – как-то заявил Поленов своему ученику Константину Коровину. Он любил колдовать на палитре, изучать, как при разных способах смешения синего и белого появляются удивительные сверкающие эффекты, как прямое солнечное освещение повышает звучание цвета.
В Московском училище живописи, ваяния и зодчества Василий Поленов был одним из самых любимых преподавателей.

Леонард Туржанский  "Москва.Самотека" Начало 1910-х гг.

Художественное образование Леонард Туржанский получил в Петербурге и Москве, где его учителями в легендарном Училище живописи, ваяния и зодчества были Валентин Серов и Константин Коровин. После окончания учебы Туржанский вернулся на родину и купил домик в селе Малый Исток под Екатеринбургом. Там он проводил большую часть года – с ранней весны до поздней осени. И только на зиму возвращался в Москву, где кипела творческая жизнь.
Вот в один из таких приездов, в начале 1910-х годов, и был написан этот зимний пейзаж. «Москва. Самотека» – редкий для Туржанского – городской вид. Но и здесь можно увидеть традиционное для мастера изображение лошади на первом плане.
По своему настроению картина родственна знаменитым рассказам Владимира Гиляровского: застроенная бараками Божедомка – улица с весьма непривлекательной репутацией. Близость Сухаревской площади, нечто таинственное и опасное в свете фонарей, в тенях на снегу, в звездном небе. Завораживающая «старая Москва», начало тревожного XX века.
Сотрудники музея полагают, что нашли точное место, изображенное на картине Туржанского. Это дом 23 на Делегатской улице. Сегодня архитектура старой Москвы еле угадывается в дважды надстроенном здании: в советские годы ему добавили тритий этаж, а в наше время еще и четвертый.

     Михаил Шемякин  "Гиацинты вечером" 1912г.
Не многим художникам удается сочетать в себе две важные ипостаси: творца и учителя. Но Михаил Шемякин справлялся с этим блестяще: из преподавателя небольшой частной студии он вырос в одного из ведущих мастеров Московского художественного института. За годы работы Шемякин даже разработал собственный оригинальный метод обучения. Мастер успел изложить его на бумаге, но так и не опубликовал.
Михаил Шемякин считал, что в основе всякой хорошей картины должны лежать три важнейших взаимосвязанных элемента: композиция, конструкция и характер. Интересный факт: Михаил Шемякин был внуком знаменитого фабриканта Алексея Абрикосова. Отец художника еще до женитьбы на Анне Абрикосовой владел крупной деревообделочной фабрикой. На ней производили знаменитую красочную жестяную упаковку для абрикосовских конфет и печенья. Нужно ли говорить, что семейный союз пошел только на пользу большому семейному бизнесу!
Свое первоначальное художественное образование внук Абрикосова, который среди прочих написал и портрет своего известного деда, получил в 4-й московской гимназии. Позже Михаил Шемякин брал уроки у Константина Коровина, Василия Поленова, Леонида Пастернака и Валентина Серова. У них Шемякин позаимствовал широту письма и смелость мазка.
В 1913 году Михаил Шемякин основал собственную художественную студию в Москве и полностью посвятил себя педагогике, став одним из самых уважаемых московских профессоров.

Павел Шмаров  "Крестьянки в роще" 1949г.  Картина получена музеем в дар от Михаила Сергеевича Горбачева